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Recordando a Juan Gris

José Victoriano González "Juan Gris" nació en Madrid en 1887.
A los 15 años entró en la escuela de Artes y Oficios de Madrid, magnifico dibujante desde sus inicios colaboró de forma usual con diversos periódicos mientras intentaba realizar sus pinturas, en 1906 partió a París atraído por la incipiente fama de Pablo Ruiz Picasso.

( Salvador Dalí realizó el mismo viaje en 1928) José Victoriano González o comocido como Juan Gris se instaló en el Barrio de Montmartre en el "Bateau Lavoir" en la casa de Picasso y permaneció allí durante los siguientes 15 años.

En 1911, Clovit Sagot le compra algunas de sus telas y al años siguiente Kahnweiler se compromete a adquirir toda su producción. Expone en la sección de Oro y en los Independientes, es el momento de conocer a la que sería su esposa y compañera hasta su muerte.

Al igual que los pintores Braque y su amigo Picasso no admitía el equívoco del claroscuro o de los valores del movimiento, tampoco juzgaba el sentido hermético de la escritura, Juan Gris sólo quería expresar las formas de la manera más simple posible y poder insertarlas en sus composiciones geométricas, en las que los volúmenes pudiesen recortarse y articularse con la mayor naturalidad y claridad posibles.

Juan Gris llegará a buscar el efecto decorativo agregando el color arena (ocres y rojos) y el color ceniza, sin embargo, el ritmo y la arquitectura del cuadro es lo que de una forma más acentuada exige su inflexible rigor artístico Hasta el año 1915 sus pinturas sobre naturalezas muertas, muestran en su estilización cierto manierismo Pronto sin embargo, se distinguirá por sus obras de factura sobria y segura con una exquisita distribución de líneas y de tonos  En contra del sistema utilizado por Picasso o Braque que utilizaban el "Papier Collé" exclusivamente en sus dibujos, Gris, utilizó la técnica del Collage en sus cuadros de forma permanente y exclusiva

Juan Gris se incorporó al Cubismo en el año 1912: Pero con un concepto diferente siempre rechazó sus excesos analíticos. 

Juan Gris: Se sirvió de un invento del pintor Braque para utilizarlo de forma propia al introducir en sus pinturas "la Madera Falsa" o "El Falso Mármol" es decir: Un fragmento de realidad introducido en el propio cuadro 

Juan Gris:

Cada vez más exigente en su obra, soñó con un arte racional, impasible y estático de él dijo Cézane: "Gris convierte una botella en un cilindro, yo, de un cilindro hago una botella, cierta botella" declarándose de éste modo a favor de la pintura concebida a priori, para la cual recurrirá a una ejecución tanto docta como severa.

JUAN GRIS:

Su notable ambición hace que se supere a si mismo de forma constante, sin embargo sus Arlequines, Pierrots, los retratos y bodegones realizados con posterioridad al año 1922 carecen de calor y de emoción, Los medios que su propia naturaleza le hace rehusar, los pide al método, aunque se debe hacer referencia a que en éstas fechas Juan Gris ya estaba afectado por la enfermedad que iba a dar fin a su vida en el año 1927.

Los cuatro años finales de su vida no pudieron ser favorables para la culminación de su labor, pese a ello acepto varios encargos de Diaghilew en especial el diseño de los trajes del ballet "Las tentaciones de la Pastora"(1924) por la intrasigente organización de sus arquitecturas planas y las superficies coloreadas, por la expresión simplificada de los aspectos múltiples de los objetos, por su manera docta, casi científica de traducir los frutos de su imaginación en un lenguaje plástico de uso convincente, Juan Gris confirió a la revolución Cubista las virtudes del clasicismo. Es un titulo glorioso que nadie le podrá quitar nunca.

En la primavera de 1906, unos meses antes de trasladarse definitivamente a París, José Victoriano González había publicado un dibujo de una guitarra ilustrando el libro de José Santos Chocano titulado Alma América. Poemas Indoespañoles . Es entonces cuando utiliza por primera vez el pseudónimo por el que aún le conocemos: Juan Gris. A partir de aquel momento, la imagen de la guitarra y el nombre de Juan Gris tendrán una estrecha relación. Uno de los objetos más presentes en el censo de pinturas y esculturas del movimiento cubista en general, la guitarra es también uno de los temas más frecuentes en la obra de Gris. Se ha especulado mucho sobre el interés del cubismo por los instrumentos musicales. Es posible que un factor importante en este sentido fuese el carácter conceptual y temporal de la música.

Ésta se basa sobre todo en ritmos, es decir, en desarrollos diacrónicos: algo que formaba parte del horizonte del propio cubismo, que pretendía ofrecer varios aspectos de un mismo objeto que en la experiencia real sólo pueden contemplarse sucesivamente. En el caso concreto de la guitarra, un instrumento que, junto con el violín, la mandolina y otros de cuerda protagoniza muchas obras cubistas de Picasso y Gris, se han aducido además otras posibles causas, como la evocación nostálgica de la música española. No hay que olvidar que poco antes del nacimiento del cubismo, guitarristas y compositores españoles como Francisco Tárrega habían popularizado este instrumento en Europa.

Pero además la guitarra tiene en sí misma, en cuanto objeto, cualidades que debían ser especialmente atractivas desde el punto de vista de la investigación cubista. Por su propia configuración, con su apertura central o sus cuerdas sobre la madera, la guitarra deja ver diversos planos al mismo tiempo, exactamente por los mismos procedimientos que el cubismo exploraba: transparencias o solapamientos. La guitarra ofrece simultáneamente a nuestra vista su interior y su exterior, y su fuste, como su interior hueco, se hace visible aunque esté velado por las cuerdas. De este modo, tanto por la diacronía de su sonido, como por la simultaneidad de su imagen, podría verse en la guitarra un símbolo del cubismo.

La guitare fue pintado en París durante el primer mes de la primavera de 1918. Juan Gris y Josette, que en abril partirían hacia Beaulieu-pres-de-Loches (Turena), donde se establecerían hasta noviembre, pasan aquellos días en una impaciente espera e incertidumbre, pues el fin de la guerra parece tan próximo en unas ocasiones como lejano en otras. Nada de esta zozobra parece afectar a La guitare . Sintética y serena, quizá la pieza más abstracta de la colección de Gris en Telefónica, pertenece a uno de los periodos más apreciados de la obra de este artista.

Mark Rosenthal identifica el año 1918 en la obra de Gris como el inicio de un brillante momento de síntesis que abarcaría hasta mediados de 1922. Por su parte, Kahnweiler, que relaciona todo el periodo comprendido entre 1916 y 1919 con el concepto predominante de «arquitectura», habla muy apropiadamente de estas imágenes como de emblemas: «los emblemas que inventa desde ahora Juan Gris significan en su conjunto el objeto que pretende representar. No dan todos sus detalles. No tendrían explicación sin unas experiencias visuales anteriores; pero lo que autoriza a hablar ahora de pintura conceptual es que no son formas reunidas en la memoria visual del pintor las que resurgen del cuadro, sino más bien unas formas nuevas, diferentes de las formas de los objetos reales encontrados en el mundo sensible, unas formas que no son verdaderamente más que emblemas, haciéndose objetos sólo en la percepción del espectador».

Podemos intuir en las palabras de Kahnweiler, de clara raíz platónica, el célebre método deductivo que Juan Gris desarrollaría plenamente unos años más tarde en sus escritos (ver Arlequin ). Pero, en todo caso, podemos ver también esta concepción de la pintura en conexión con el «clasicismo cubista» que había comenzado a emerger entre 1916 y 1917, y que se consolidó como estilo hacia 1918, culminando en el llamado «purismo», cuyos líderes eran los pintores Amédée Ozenfant y Charles Jeanneret (Le Corbusier).

El objetivo de estos pintores puristas era una pintura que, alejándose del método intuitivo de Picasso, se basara en proporciones racionales y esquemas abstractos, y redujera los aspectos del mundo real al mínimo. Por ello, no es extraño que contemplaran con admiración a Gris, creador de impecables estructuras pictóricas. Gris, sin embargo, mantuvo cierta distancia respecto del purismo, pues siempre retuvo el respeto por los objetos, evitando la abstracción absoluta, que le parecía tan incompleta como «un tejido con los hilos en una sola dirección». De hecho, en contra de la congelada visión de los puristas, Gris proclama cada vez más la faceta «poética» de su obra. Con la recíproca relación entre estructura y objeto, Gris desea obtener un cierto lirismo, «una realidad imaginaria».

Maurice Raynal, uno de los críticos más cercanos a Gris, afirmaba que «la emoción sentida por Gris ante algún objeto le sugería la invención de su proyecto». Es decir: se trataba de un impulso emocional inspirado por el mundo exterior, un proceso similar al seguido por los poetas. El propio Juan Gris había dicho también que «la estética es el conjunto de relaciones entre el pintor y el mundo exterior» y, también como los poetas, evoca ese mundo exterior creando una realidad imaginaria, que el construye mediante formas y colores, mediante una arquitectura rimada y rítmica. En La guitare , las dobles curvas de la guitarra evocan la repetición sonora de las rimas, se hacen eco entre sí, creando potentes simetrías visuales que a su vez tienen su eco en la distribución cromática del cuadro.

Poco después de acabar la guerra, en 1919, Gris vuelve a ilustrar un libro de título significativo: se trata de La guitare endormie, de su amigo el poeta Pierre Reverdy. En los años sucesivos, la guitarra aparecerá de nuevo con frecuencia en la obra de Gris, adquiriendo a partir de 1921 una nueva formulación, situada frente a una ventana abierta: si la guitarra es el emblema del cubismo -es decir, de la pintura entendida como actividad intelectual-, la ventana abierta puede verse como símbolo de ese mundo exterior, sensual, que ha de estimular emocionalmente al artista.

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